Marisa Álvarez Aguilar

Gregor Schneider (http://www.gregorschneider.de/) es un artista cuya principal área de trabajo es la reiterada reproducción y construcción/modificación de habitaciones o espacios dentro de su propia casa. Este artista lleva desde 1985 transformando su propia vivienda/obra/taller de Rheydt (ciudad del bajo Rin), y desde entonces trabaja sin interrupción en la que es su obra principal: “Casa u r”, pensada como un inmenso laboratorio artístico. Es una casa hecha para que aquel que entre “no pueda salir” o, en cierto modo, para que la gente se pierda en el interior de la misma. Schneider hace fotos y videos del lugar; filma, sin mover la cámara, largas secuencias de los interiores; también emplea una cámara de mano, con la que se mueve por la casa tropezando, lo que permite ver áreas intermedias invisibles para los demás.

Para las diferentes exposiciones en las que participa, Schneider presenta zonas de esta casa, traslada los espacios íntegramente desde Rheydt.  Así, por medio de las ransformaciones constantes de su entorno más próximo, incide en una cuestión clave que es la activación de ese espacio, la relación que el artista ha creado con su casa de toda la vida. Son una serie de espacios que conforman un gran trampantojo tridimensional…. Espacios dentro de espacios que se encuentran, a su vez, dentro de otros espacios. El resultado es un ambiente siniestro y opresivo, con una atmósfera casi de desasosiego o incluso de terror psicológico.

Schneider se hizo muy popular cuando ganó el León de Oro por su obra expuesta en la Bienal de Venecia de 2001, titulada “Totes Haus u r” (“La casa muerta). Ésta consistía en construir, como es natural, dentro del edifio imperial neoclásico donde tenía lugar la exposición, una casa convencional de dos plantas, con un hall de distribución, escalera, puertas que daban a los distintos ambientes y ventanas que daban supuestamente al exterior.

Cuando se intentaba abrir las puertas, alguna estaba atascada, otra conducía a una habitación común y una tercera (muy pequeña, debajo del descanso de la escalera) conducía a un pasadizo oscuro por el que había que entrar agachado. Aquí es donde comenzaba una experiencia límite para el visitante, un anexo clandestino, que en parte recordaba a la casa de Anna Frank.

En ese hábitat claustrofóbico , hecho de espacios sorpresivos, opresivos, ilógicos y laberínticos, el visitante quedaba atrapado en el espacio y en el tiempo. A través de huecos verticales y horizontales, falsas paredes, corredores estrechos y asfixiantes, y hasta pasajes por los que había que arrastrarse, se descubrían míseras pocilgas, ambientes que servían de aguantadero, zonas pútridas con objetos abandonados y elementos en descomposición. Entre ellos se encontraban restos humanos, las huellas de un crimen y de una existencia secreta.

Hablamos de una obra que nos remite al autoritarismo, que transforma a quien la recorre en un fugitivo y, en otros momentos, en un represor en busca de sus víctimas. Que habla sobre el propio hogar como una cárcel o laberinto del que no sabremos si podremos escapar o no. Que genera la vivencia de una experiencia opresiva que nos traslada a momentos-límite relacionados con épocas bélicas o con mentes torturadas.

Según David Moriente (de la UA de Madrid), cuando Gaston Bachelard escribió en su libro “La poética del espacio” que la casa era nuestro primer rincón del mundo y que, consecuentemente, era “nuestro primer universo”, no podía imaginar que un artista como Schneider pudiera tomarse al pie de la letra la idea de posesión de un espacio, en concreto del espacio doméstico y transformarlo en una singularidad arquitectónica inédita. La casa es el contorno primario de su producción, su lugar de vivencia y, en términos ficticios, de tránsito o muerte. Así el rincón se convierte en el plano de confluencia donde lo cotidiano se torna siniestro y donde se esconden los monstruos del hogar. En palabras de Schneider: “Sueño con llevar la casa entera conmigo y construirla donde sea. Mi padre y mi madre podrían vivir en ella, los viejos parientes yacerían muertos en el sótano, mis hermanos vivirían arriba, una vez allí serían hombres y mujeres que no sabrán muy bien dónde ir. En alguna esquina habría una gran dama que engendraría niños constantemente y los arrojaría al mundo. Yo también estoy allí, en algún lugar, reconstruyendo todo constantemente.”

Siempre me ha gustado la obra de Jaume Plensa (Barcelona, 1955). Es de los pocos artistas actuales que no tiene inconveniente en hacer arte bello, que además está dotado de un misterio que hace que uno se haga preguntas delante de sus creaciones. Un arte poético y espiritual que plantea interrogantes sobre el ser humano. Y además accesible a todo el público,  puesto que lo que busca es precisamente esa cercanía y conexión con el observador.

Este artista ha trasladado su obra también al Yorkshire Sculpture Park de Londres. Un espacio natural de 400 hectáreas en el norte de Inglaterra que cuenta con una de las exposiciones más completas de este creador, con 40 figuras entre las que destacan un conjunto de esculturas humanas de grandes dimensiones o la cortina de más de 50 metros compuesta por sus famosos caracteres metálicos.

Para conocer a fondo su trabajo, “Imprescindibles“ de la 2 de RTVE ha repasado la trayectoria de este escultor. En el documental vemos la preparación e inauguración de los dos proyectos más sobresalientes que ha realizado hace poco: “Dream” una pieza de mármol de 20 metros de alto que ideó para un espacio público en las afueras de un pueblo inglés; y la pieza “In the midst of dreams”, una exposición integrada por tres grandes esculturas de poliéster y tres de alabastro, para la Lelong Galerie de Nueva York. Este documental, de casi una hora de duración, ha sido rodado en lugares tan distintos como Barcelona, Liverpool, Sant Helens, Chicago y Nueva York. Una delicia que se puede ver en este enlace:  La escultura y el arte de Jaume Plensa

Esta es la colosal escultura de 20 metros de altura que  domina el horizonte en St. Helens, una localidad muy vinculada a la minería de carbón hasta los noventa, y que se encuentra a medio camino entre Liverpool y Manchester (Reino Unido). “Dream (Sueño)” fue diseñada a partir de las conversaciones del escultor con antiguos mineros y vecinos de esta localidad. Impresiona por su hieratismo y gran tamaño, pero a la vez, resulta cercana por ser una imagen tan reconocible. Ha creado una escultura que emana una tranquilidad natural y un aura enigmática. Sorprende verla en la lejanía del horizonte por encima del perfil de la arboleda, como si fuera un antiguo tótem monolítico de alguna antigua civilización, al estilo de los Mohais de la Isla de Pascua .

Otra de sus obras que me impresionó también fue la “Crown Fountain”, su pieza más emblemática hasta el momento, que realizó para el Millenium Park de la ciudad de Chicago. Esta espectacular obra pública marcó un hito en su carrera y refleja magníficamente su visión personal del arte. Consiste en una instalación interactiva compuesta por dos torres de ladrillo de vidrio, que contienen LEDs computarizados y que producen una serie de imágenes cambiantes, especialmente relaciondas con ciudadanos de Chicago. Cada una de estas torres mide 15 m de alto por 7 de ancho y 4.5 m de espesor. Posteriormente se instaló una fuente de agua que convirtió a esta instalación en un elemento mucho más atractivo, ya que interpola los juegos de agua con las imágenes gráficas presentadas. Así, por ejemplo, uno de los momentos más esperados es cuando el rostro en la pantalla hace un gesto como si estuviera soplando y de la boca de la persona se vierte un chorro de agua. Volvemos a la idea principal: es un arte que interactúa con el observador creando una atmósfera profundamente humana y afectiva, con la excusa de celebrar el nuevo milenio en este caso.

Esta escultura se titula “Awilda”, pensada para la ciudad de Salzburgo, se ha esculpido  a partir de 20 losas de mármol de la misma altura, cada una de ellas con una circunferencia diferente. El artista las ha apilado unas sobre otras en un poste de acero, esto produce la sensación de que la cabeza oscila hacia arriba en espiral, modificando su silueta.

En palabras de Jaume Plensa:  “Mi trabajo- afirma el artista- es el retrato de una muchacha muy joven llamada Awilda. La escultura ha sido tallada en mármol blanco de Macael. Awilda viene desde Santo Domingo. Ella es sólo una de las muchas personas que han venido a Europa buscando de una vida mejor. Mi objetivo es utilizar su rostro para inyectar una imagen del futuro en el corazón de nuestras viejas tradiciones. La extraordinaria historia de la ciudad de Salzburgo se compone de capas de la humanidad que se han acumulado con el tiempo,  al igual que los depósitos sedimentarios. Awilda encarna la enorme capacidad de una persona anónima para ayudar a la historia de forma diaria -incluso si esto es eclipsado por los grandes nombres y los acontecimientos políticos-. Aquí la vida diaria se transforma en algo trascendental: una celebración de la gente”.

El Isleworth Golf&Country Club de Windermere, en Florida, está alojando doce esculturas de gran formato realizadas por el escultor Eduardo Chillida en una exposición individual desde Enero a Abril de 2011. Cada una de estas obras fue concebida para ser mostrada en el exterior y la belleza natural de Isleworth es el lugar perfecto para exhibirlas, ya que Chillida consideraba el entorno natural como un elemento inherente integrado en sus obras. Su preocupación por la forma y el espacio y el tratamiento de sus materiales han transformado el campo de la escultura y han influído directamente en la obra de muchos artistas actuales. Sus reflexiones son siempre inspiradoras, independientemente de si uno es escultor o no. Siempre son extrapolables a cualquier disciplina artística.

Él decía de sí mismo que era “un especialista en preguntas”. Su trabajo estaba siempre impulsado por el deseo de conocer: “El deseo de experimentar, de conocer, me ha hecho llevar siempre una marcha discontinua. ¿No se deberá esto a que me interesa más la experimentación que la experiencia, así como prefiero el conocer al conocimiento? Nunca se sabe bastante, de ahí que también en lo conocido se halle lo desconocido y su llamada”

Eduardo Chillida, ante una de sus esculturas al aire libre en Chillida-Leku, a las afueras de San Sebastián.- J. U. El País, edición impresa.

 “Trabajaré siempre porque nunca se conoce bastante, ya que en lo conocido se oculta siempre lo desconocido. Asombro ante lo que desconozco fue mi maestro, escuchando su inmensidad he tratado de mirar, no sé si he visto.”

“¿Por qué prefiero el conocer al conocimiento? ¿No está siempre lo desconocido dentro de lo conocido? ¿No se tratará de conocer lo que se desconoce? ¿No será el arte una necesidad hermosa y difícil, que nos conduce a tratar de hacer lo que no sabemos hacer? ¿No será esta necesidad prueba de que el hombre no se considera terminado?”

“Trabajo para saber; valoro más el conocer que el conocimiento. Creo que debo aventurarme en hacer lo que no sé hacer. Buscar, visualizar donde no veo, anhelar reconocer lo que no puedo discernir.”

“Escritos”, Eduardo Chillida. Editorial La Fábrica.

“Elogio del horizonte”. Chillida. Gijón.

En este enlace se puede ver el documental creado con motivo de esta exposición por Sotheby’s, donde podemos disfrutar sus obras y saber algo más del pensamiento de Chillida:

Chillida en Isleworth